Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninoff

En ek het 'n geboorteland gehad; Hy is wonderlik! A. Pleshcheev (van G. Heine)

Rachmaninov is uit staal en goud geskep; Staal in sy hande, goud in sy hart. I. Hoffman

“Ek is ’n Russiese komponis, en my vaderland het sy stempel op my karakter en my sienings afgedruk.” Hierdie woorde behoort aan S. Rachmaninov, die groot komponis, briljante pianis en dirigent. Al die belangrikste gebeurtenisse van die Russiese sosiale en artistieke lewe is in sy kreatiewe lewe weerspieël, wat 'n onuitwisbare merk gelaat het. Die vorming en bloei van Rachmaninov se werk val op die 1890-1900's, 'n tyd toe die mees komplekse prosesse in die Russiese kultuur plaasgevind het, die geestelike polsslag koorsagtig en senuweeagtig geklop het. Die akuut liriese gevoel van die era inherent aan Rachmaninov is sonder uitsondering geassosieer met die beeld van sy geliefde Moederland, met die oneindigheid van sy wye uitgestrekte, die krag en gewelddadige bekwaamheid van sy elementêre kragte, die sagte broosheid van die bloeiende lente-natuur.

Rachmaninov se talent het hom vroeg en helder geopenbaar, hoewel hy tot op twaalfjarige ouderdom nie veel ywer vir sistematiese musieklesse getoon het nie. Hy het op 4-jarige ouderdom begin om klavier te speel, in 1882 is hy toegelaat tot die St. Petersburg-konservatorium, waar hy, oorgelaat aan sy eie lot, nogal rondgemors het, en in 1885 is hy na die Moskou-konservatorium oorgeplaas. Hier studeer Rachmaninoff klavier by N. Zverev, toe A. Siloti; in teoretiese vakke en komposisie – saam met S. Taneyev en A. Arensky. Hy het saam met Zverev (1885-89) in 'n losieshuis gewoon en deur 'n harde, maar baie redelike skool van arbeidsdissipline gegaan, wat hom van 'n desperate lui en stout mens in 'n besonder versamelde en sterk-wil persoon verander het. "Die beste wat in my is, skuld ek hom," - so het Rachmaninov later oor Zverev gesê. By die konservatorium is Rachmaninoff sterk beïnvloed deur die persoonlikheid van P. Tsjaikofski, wat op sy beurt die ontwikkeling van sy gunsteling Seryozha gevolg het en, nadat hy aan die konservatorium gegradueer het, gehelp het om die opera Aleko by die Bolsjoi-teater op te voer, wetende van sy eie hartseer ervaring hoe moeilik dit is vir 'n beginner musikant om jou eie pad te lê.

Rachmaninov studeer aan die Konservatorium in klavier (1891) en komposisie (1892) met 'n Groot Goue Medalje. Teen hierdie tyd was hy reeds die skrywer van verskeie komposisies, waaronder die beroemde Prelude in C skerp mineur, die romanse "In die stilte van die geheime nag", die eerste klavierkonsert, die opera "Aleko", geskryf as 'n afstudeerwerk in net 17 dae! Die Fantasiestukke wat gevolg het, op. 3 (1892), Elegiese Trio "In Memory of a Great Artist" (1893), Suite vir twee klaviere (1893), Moments of Music op. 16 (1896), romanses, simfoniese werke – “The Cliff” (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) – het die mening van Rachmaninov as 'n sterk, diep, oorspronklike talent bevestig. Die beelde en stemmings kenmerkend van Rachmaninoff kom in hierdie werke in 'n wye verskeidenheid voor – van die tragiese hartseer van die “Musical Moment” in B mineur tot die himniese apoteose van die romanse “Spring Waters”, van die harde spontane-wilsdruk van die "Musical Moment" in E mineur tot die beste waterverf van die romanse "Eiland".

Die lewe gedurende hierdie jare was moeilik. Beslissend en kragtig in prestasie en kreatiwiteit, Rachmaninoff was van nature 'n kwesbare persoon, wat dikwels selftwyfel ervaar het. Inmeng met materiële moeilikhede, wêreldse wanorde, dwaal in vreemde hoeke. En hoewel hy ondersteun is deur mense na aan hom, hoofsaaklik die Satin-familie, het hy eensaam gevoel. Die sterk skok wat veroorsaak is deur die mislukking van sy Eerste Simfonie, wat in Maart 1897 in St. Petersburg opgevoer is, het tot 'n kreatiewe krisis gelei. Vir etlike jare het Rachmaninoff niks gekomponeer nie, maar sy uitvoerende aktiwiteit as pianis het verskerp, en hy het sy debuut as dirigent by die Moskou Privaat Opera (1897) gemaak. Gedurende hierdie jare het hy L. Tolstoy ontmoet, A. Chekhov, kunstenaars van die Kunsteater, het 'n vriendskap begin met Fjodor Chaliapin, wat Rachmaninof as een van "die kragtigste, diepste en subtiele artistieke ervarings" beskou het. In 1899 tree Rachmaninoff vir die eerste keer in die buiteland op (in Londen), en in 1900 het hy Italië besoek, waar sketse van die toekomstige opera Francesca da Rimini verskyn het. ’n Vreugdevolle gebeurtenis was die opvoering van die opera Aleko in St. Petersburg ter geleentheid van die 100ste herdenking van A. Pushkin met Chaliapin as Aleko. So word 'n interne keerpunt geleidelik voorberei, en in die vroeë 1900's. daar was 'n terugkeer na kreatiwiteit. Die nuwe eeu het begin met die Tweede Klavierkonsert, wat soos 'n geweldige alarm geklink het. Tydgenote het in hom die stem van Tyd gehoor met sy spanning, plofbaarheid en 'n gevoel van naderende veranderinge. Nou word die genre van die konsert die leidende een, dit is daarin dat die hoofgedagtes met die grootste volledigheid en inklusiwiteit beliggaam word. 'n Nuwe stadium begin in die lewe van Rachmaninov.

Algemene erkenning in Rusland en in die buiteland ontvang sy pianistiese en dirigentaktiwiteit. 2 jaar (1904-06) Rachmaninov het as dirigent by die Bolsjoi-teater gewerk en in sy geskiedenis die herinnering aan die wonderlike produksies van Russiese operas gelaat. In 1907 neem hy deel aan die Russiese Historiese Konserte wat deur S. Diaghilev in Parys gereël is, in 1909 tree hy vir die eerste keer in Amerika op, waar hy sy Derde Klavierkonsert onder leiding van G. Mahler gespeel het. Intensiewe konsertaktiwiteit in die stede van Rusland en in die buiteland is gekombineer met nie minder intense kreatiwiteit nie, en in die musiek van hierdie dekade (in die kantate "Lente" - 1902, in die preludes op. 23, in die finale van die Tweede Simfonie en die Derde Concerto) is daar baie vurige entoesiasme en entoesiasme. En in komposisies soos die romanse "Lilac", "Dit is goed hier", in die preludes in D majeur en G majeur, het "die musiek van die singende natuurkragte" met wonderlike deurdringing geklink.

Maar in dieselfde jare word ander buie ook gevoel. Hartseer gedagtes oor die moederland en sy toekomstige lot, filosofiese besinning oor lewe en dood gee aanleiding tot tragiese beelde van die Eerste Klaviersonate, geïnspireer deur Goethe se Faust, die simfoniese gedig “The Island of the Dead” gebaseer op die skildery van die Switserse kunstenaar A. Böcklin (1909), baie bladsye van die Derde Concerto, romanses op. 26. Interne veranderinge het veral opvallend geword na 1910. As in die Derde Concerto die tragedie uiteindelik oorkom word en die concerto eindig met 'n jubelende apoteose, dan verdiep dit in die werke wat daarop volg voortdurend, wat aggressiewe, vyandige beelde, somber, tot lewe bring, depressiewe buie. Die musikale taal word meer kompleks, die wye melodiese asem so kenmerkend van Rachmaninov verdwyn. So is die vokaal-simfoniese gedig “The Bells” (op die st. E. Poe, vertaal deur K. Balmont – 1913); romanse op. 34 (1912) en op. 38 (1916); Etudes-skilderye op. 39 (1917). Dit was egter in hierdie tyd dat Rachmaninoff werke vol hoë etiese betekenis geskep het, wat die verpersoonliking geword het van blywende geestelike skoonheid, die hoogtepunt van Rachmaninov se melodie – “Vocalise” en “All-Night Vigil” vir koor a cappella (1915). “Van kleintyd af is ek gefassineer deur die manjifieke melodieë van Oktoikh. Ek het nog altyd gevoel dat 'n spesiale, spesiale styl nodig is vir hul koorverwerking, en, so lyk my, ek het dit in die Vespers gevind. Ek kan nie anders as om te bieg nie. dat die eerste uitvoering daarvan deur die Moskou Sinodale Koor my 'n uur van die gelukkigste plesier verskaf het,” onthou Rachmaninov.

Op 24 Desember 1917 het Rachmaninov en sy gesin Rusland, soos dit geblyk het, vir altyd verlaat. Vir meer as 'n kwarteeu het hy in 'n vreemde land, in die VSA, gewoon en hierdie tydperk was meestal vol uitputtende konsertaktiwiteite, onderworpe aan die wrede wette van die musiekbesigheid. Rachmaninov het 'n aansienlike deel van sy fooie gebruik om materiële ondersteuning aan sy landgenote in die buiteland en in Rusland te verskaf. Dus, die hele versameling vir die optrede in April 1922 is oorgedra tot voordeel van die hongersnood in Rusland, en in die herfs van 1941 het Rakhmaninov meer as vierduisend dollar aan die Rooi Leër se hulpfonds gestuur.

In die buiteland het Rachmaninoff in isolasie geleef en sy vriendekring tot immigrante uit Rusland beperk. 'n Uitsondering is slegs gemaak vir die familie van F. Steinway, die hoof van die klavierfirma, met wie Rachmaninov vriendskaplike betrekkinge gehad het.

Die eerste jare van sy verblyf in die buiteland het Rachmaninov nie die gedagte van die verlies aan kreatiewe inspirasie verlaat nie. “Nadat ek Rusland verlaat het, het ek die begeerte verloor om te komponeer. Nadat ek my vaderland verloor het, het ek myself verloor.” Slegs 8 jaar nadat hy in die buiteland vertrek het, keer Rachmaninov terug na kreatiwiteit, skep die vierde klavierkonsert (1926), Drie Russiese liedere vir koor en orkes (1926), Variasies op 'n tema van Corelli vir klavier (1931), Rapsodie op 'n tema van Paganini (1934), Derde Simfonie (1936), "Simfoniese danse" (1940). Hierdie werke is die laaste, hoogste opkoms van Rachmaninoff. ’n Treurige gevoel van onherstelbare verlies, ’n brandende verlange na Rusland gee aanleiding tot ’n kuns van enorme tragiese krag, wat sy hoogtepunt bereik in die Simfoniese danse. En in die briljante Derde Simfonie beliggaam Rachmaninoff vir oulaas die sentrale tema van sy werk – die beeld van die Moederland. Die streng gekonsentreerde intense gedagte van die kunstenaar roep hom uit die dieptes van eeue, hy ontstaan ​​as 'n oneindig dierbare herinnering. In 'n komplekse verweefdheid van uiteenlopende temas, episodes, kom 'n breë perspektief na vore, word 'n dramatiese epos van die lot van die Vaderland herskep, wat eindig met 'n seëvierende lewensbevestiging. So deur al die werke van Rachmaninoff dra hy die onaantasbaarheid van sy etiese beginsels, hoë spiritualiteit, getrouheid en onafwendbare liefde vir die Moederland, waarvan die verpersoonliking sy kuns was.

O. Averyanova

• Museum-landgoed van Rachmaninov in Ivanovka →
• Klavierwerke deur Rachmaninoff →
• Simfoniese werke van Rachmaninoff →
• Rachmaninov se kamer-instrumentele kuns →
• Operawerke deur Rachmaninoff →
• Koorwerke van Rachmaninoff →
• Romanse deur Rachmaninoff →
• Rachmaninov-dirigent →

Kenmerke van kreatiwiteit

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff is saam met Skrjabin een van die sentrale figure in Russiese musiek van die 1900's. Die werk van hierdie twee komponiste het veral die aandag van tydgenote getrek, hulle het heftig daaroor gestry, skerp gedrukte besprekings het begin rondom hul individuele werke. Ten spyte van al die ongelykheid van die individuele voorkoms en figuurlike struktuur van die musiek van Rachmaninov en Skrjabin, het hulle name dikwels langs mekaar in hierdie geskille verskyn en met mekaar vergelyk. Daar was suiwer eksterne redes vir so 'n vergelyking: albei was leerlinge van die Moskouse Konservatorium, wat byna gelyktydig daaruit gegradueer het en met dieselfde onderwysers studeer het, albei het onmiddellik onder hul eweknieë uitgestaan ​​deur die krag en helderheid van hul talent, en het erkenning ontvang nie slegs as hoogs talentvolle komponiste, maar ook as uitstaande pianiste.

Maar daar was ook baie dinge wat hulle geskei het en soms op verskillende flanke van die musieklewe geplaas het. Die dapper innoveerder Skrjabin, wat nuwe musikale wêrelde oopgemaak het, was gekant teen Rachmaninov as 'n meer tradisioneel denkende kunstenaar wat sy werk op die vaste fondamente van die nasionale klassieke erfenis gebaseer het. “G. Rachmaninoff, het een van die kritici geskryf, is die pilaar waarom al die kampvegters van die werklike rigting gegroepeer is, almal wat die fondamente koester wat deur Moessorgski, Borodin, Rimski-Korsakov en Tsjaikofski gelê is.

Ondanks al die verskille in die posisies van Rachmaninov en Skrjabin in hul hedendaagse musikale werklikheid, is hulle egter nie net saamgevoeg deur die algemene voorwaardes vir die opvoeding en groei van 'n kreatiewe persoonlikheid in hul jeug nie, maar ook deur 'n paar dieper kenmerke van gemeenskaplikheid. . "'n Rebelse, rustelose talent" - dit is hoe Rakhmaninov eens in die pers gekenmerk is. Dit was hierdie rustelose impulsiwiteit, die opgewondenheid van die emosionele toon, kenmerkend van die werk van beide komponiste, wat dit veral aan die begin van die XNUMXde eeu dierbaar en na aan wye kringe van die Russiese samelewing gemaak het, met hul angstige verwagtinge, aspirasies en hoop. .

"Scriabin en Rachmaninoff is die twee 'heersers van musikale denke' van die moderne Russiese musiekwêreld <...> Nou deel hulle hegemonie onder mekaar in die musikale wêreld," het LL Sabaneev, een van die ywerigste apologete vir die eerste en 'n ewe hardnekkige opponent en teëstander van die tweede. 'n Ander kritikus, meer gematig in sy oordele, het in 'n artikel geskryf wat gewy is aan 'n vergelykende beskrywing van die drie mees prominente verteenwoordigers van die Moskouse musiekskool, Taneyev, Rachmaninov en Skrjabin: die toon van moderne, koorsagtig intense lewe. Albei is die beste hoop van moderne Rusland.”

Vir 'n lang tyd het die siening van Rachmaninoff as een van die naaste erfgename en opvolgers van Tsjaikofski oorheers. Die invloed van die skrywer van The Queen of Spades het ongetwyfeld 'n beduidende rol gespeel in die vorming en ontwikkeling van sy werk, wat baie natuurlik is vir 'n gegradueerde van die Moskou Konservatorium, 'n student van AS Arensky en SI Taneyev. Terselfdertyd het hy ook sommige van die kenmerke van die “Petersburg”-skool van komponiste waargeneem: die opgewonde liriek van Tsjaikofski word in Rachmaninof gekombineer met die harde epiese grootsheid van Borodin, Moessorgski se diep penetrasie in die sisteem van antieke Russiese musikale denke en die poëtiese persepsie van Rimsky-Korsakov se inheemse aard. Alles wat by onderwysers en voorgangers geleer is, is egter diep heroorweeg deur die komponis, gehoorsaam aan sy sterk skeppende wil en het 'n nuwe, heeltemal onafhanklike individuele karakter verkry. Die diep oorspronklike styl van Rachmaninov het groot interne integriteit en organisiteit.

As ons soek na parallelle met hom in die Russiese artistieke kultuur van die eeuwisseling, dan is dit in die eerste plek die Chekhov-Bunin-lyn in die letterkunde, die liriese landskappe van Levitan, Nesterov, Ostroukhov in die skilderkuns. Hierdie parallelle is herhaaldelik deur verskeie skrywers opgemerk en het amper gestereotipeer geraak. Dit is bekend met watter vurige liefde en respek Rakhmaninov die werk en persoonlikheid van Chekhov behandel het. Reeds in die later jare van sy lewe, terwyl hy die briewe van die skrywer gelees het, was hy spyt dat hy hom nie in sy tyd van nader ontmoet het nie. Die komponis was vir baie jare met Bunin geassosieer deur wedersydse simpatie en algemene artistieke sienings. Hulle is bymekaar gebring en verwant deur 'n passievolle liefde vir hul inheemse Russiese natuur, vir die tekens van 'n eenvoudige lewe wat reeds in die onmiddellike omgewing van 'n persoon na die wêreld om hom verlaat, die poëtiese houding van die wêreld, gekleur deur diep indringende liriek, die dors na geestelike bevryding en bevryding van die boeie wat die vryheid van die menslike persoon inperk.

Die bron van inspirasie vir Rachmaninov was 'n verskeidenheid impulse wat uit die werklike lewe voortspruit, die skoonheid van die natuur, beelde van letterkunde en skilderkuns. “... ek vind,” het hy gesê, “dat musikale idees met groter gemak in my gebore word onder die invloed van sekere buite-musikale indrukke.” Maar terselfdertyd het Rachmaninov nie soseer gestreef na 'n direkte weerspieëling van sekere verskynsels van die werklikheid deur middel van musiek nie, vir "skilder in klanke", maar na die uitdrukking van sy emosionele reaksie, gevoelens en ervarings wat ontstaan ​​​​onder die invloed van verskeie ekstern ontvang indrukke. In hierdie sin kan ons oor hom praat as een van die mees treffende en tipiese verteenwoordigers van die poëtiese realisme van die 900's, waarvan die hooftendens suksesvol deur VG Korolenko geformuleer is: "Ons weerspieël nie net verskynsels soos hulle is en doen nie. nie 'n illusie skep uit 'n bevlieging nie-bestaande wêreld. Ons skep of manifesteer 'n nuwe verhouding van die menslike gees tot die omringende wêreld wat in ons gebore word.

Een van die mees kenmerkende kenmerke van Rachmaninov se musiek, wat eerstens aandag trek wanneer jy daarmee kennis maak, is die mees ekspressiewe melodie. Onder sy tydgenote staan ​​hy uit vir sy vermoë om wye en lang ontvouende melodieë van groot asemhaling te skep, wat die skoonheid en plastisiteit van die tekening kombineer met helder en intense uitdrukking. Melodisme, melodieusheid is die belangrikste kwaliteit van Rachmaninov se styl, wat grootliks die aard van die komponis se harmoniese denke en die tekstuur van sy werke bepaal, versadig, as 'n reël, met onafhanklike stemme, óf na vore beweeg, óf verdwyn in 'n digte digte klankstof.

Rachmaninoff het sy eie baie spesiale tipe melodie geskep, gebaseer op 'n kombinasie van Tsjaikofski se kenmerkende tegnieke – intensiewe dinamiese melodiese ontwikkeling met die metode van variante transformasies, gladder en rustiger uitgevoer. Na 'n vinnige opstyg of 'n lang intense opstyg na bo, vries die melodie as't ware op die bereike vlak, keer sonder uitsondering terug na een langgesang klank, of keer stadig, met stygende rande, terug na sy oorspronklike hoogte. Die omgekeerde verhouding is ook moontlik, wanneer 'n min of meer lang verblyf in een beperkte hoë hoogte sone skielik deur die verloop van die melodie vir 'n wye interval verbreek word, wat 'n skakering van skerp liriese uitdrukking bekendstel.

In so 'n interpenetrasie van dinamika en statika sien LA Mazel een van die mees kenmerkende kenmerke van Rachmaninov se melodie. 'n Ander navorser heg 'n meer algemene betekenis aan die verhouding van hierdie beginsels in Rachmaninov se werk, en wys op die afwisseling van oomblikke van "rem" en "deurbraak" onderliggend aan baie van sy werke. (VP Bobrovsky spreek 'n soortgelyke idee uit, en merk op dat "die wonderwerk van Rachmaninoff se individualiteit lê in die unieke organiese eenheid van twee teenoorgestelde gerigte neigings en hul sintese wat slegs in hom inherent is" - 'n aktiewe aspirasie en 'n neiging om "lang te bly op wat was bereik.”). 'n Voorliefde vir kontemplatiewe liriek, langdurige onderdompeling in een of ander een gemoedstoestand, asof die komponis die vlietende tyd wou stop, het hy gekombineer met 'n groot, bruisende uiterlike energie, 'n dors na aktiewe selfbevestiging. Vandaar die sterkte en skerpte van kontraste in sy musiek. Hy het probeer om elke gevoel, elke gemoedstoestand tot die uiterste mate van uitdrukking te bring.

In die vrylik ontvouende liriese melodieë van Rachmaninov, met hul lang, ononderbroke asem, hoor 'n mens dikwels iets soortgelyk aan die "onontkombare" breedte van die Russiese talmende volkslied. Terselfdertyd was die verband tussen Rachmaninov se kreatiwiteit en volksliedjieskryf egter van 'n baie indirekte aard. Slegs in seldsame, geïsoleerde gevalle het die komponis hom tot die gebruik van egte volkswysies gewend; hy het nie gestreef na 'n direkte ooreenkoms van sy eie melodieë met volkse nie. "In Rachmaninov," merk die skrywer van 'n spesiale werk oor sy melodieë tereg op, "kom selde direk 'n verband met sekere genres van volkskuns voor. Spesifiek lyk dit of die genre dikwels in die algemene "gevoel" van die volk oplos en is nie, soos dit met sy voorgangers was, die sementerende begin van die hele proses om 'n musikale beeld te vorm en te word nie. Herhaaldelik is die aandag gevestig op sulke kenmerkende kenmerke van Rachmaninov se melodie, wat dit nader aan die Russiese volkslied bring, soos gladheid van beweging met 'n oorheersing van stapsgewyse bewegings, diatonisme, 'n oorvloed van Frigiese draaie, ens. Diep en organies geassimileer deur die komponis word hierdie kenmerke 'n onvervreembare eienskap van sy individuele skrywer se styl, wat 'n spesiale ekspressiewe kleuring verkry wat net aan hom eie is.

Die ander kant van hierdie styl, so onweerstaanbaar indrukwekkend soos die melodiese rykdom van Rachmaninov se musiek, is 'n buitengewoon energieke, hewige oorwinnende en terselfdertyd buigsame, soms grillige ritme. Beide die komponis se tydgenote en latere navorsers het baie oor hierdie spesifiek Rachmaninoff-ritme geskryf, wat onwillekeurig die luisteraar se aandag trek. Dikwels is dit die ritme wat die hooftoon van die musiek bepaal. AV Ossovsky het in 1904 met betrekking tot die laaste beweging van die Tweede Suite vir Twee Klaviere opgemerk dat Rachmaninov daarin “nie bang was om die ritmiese belangstelling van die Tarantella-vorm te verdiep tot 'n rustelose en verduisterde siel nie, nie vreemd aan aanvalle van een of ander soort demonisme nie. tye.”

Ritme verskyn in Rachmaninov as 'n draer van 'n effektiewe wilsbeginsel wat die musikale weefsel dinamiseer en 'n liriese "vloed van gevoelens" in die hoofstroom van 'n harmonieuse argitektonies volledige geheel inbring. BV Asafiev, wat die rol van die ritmiese beginsel in die werke van Rachmaninov en Tchaikovsky vergelyk, het geskryf: "In laasgenoemde het die fundamentele aard van sy" rustelose "simfonie egter met besondere krag gemanifesteer in die dramatiese botsing van die temas self. In Rachmaninov se musiek, die baie passievolle in sy kreatiewe integriteit, die vereniging van die liriek-kontemplatiewe pakhuis van gevoel met die sterk-wil organisatoriese pakhuis van die komponis-uitvoerder se "ek" blyk daardie "individuele sfeer" van persoonlike kontemplasie te wees, wat deur ritme beheer is in die betekenis van die wilsfaktor ... ". Die ritmiese patroon in Rachmaninov is altyd baie duidelik omlyn, ongeag of die ritme eenvoudig is, selfs, soos die swaar, afgemete maatslae van 'n groot klok, of kompleks, ingewikkeld bloemrig. Gunsteling deur die komponis, veral in die werke van die 1910's, gee ritmiese ostinato die ritme nie net vormende nie, maar in sommige gevalle ook tematiese betekenis.

Op die gebied van harmonie het Rachmaninoff nie verder gegaan as die klassieke majeur-mineur-stelsel in die vorm wat dit verkry het in die werk van Europese romantiese komponiste, Tsjaikofski en verteenwoordigers van die Magtige Handvol nie. Sy musiek is altyd tonaal gedefinieer en stabiel, maar in die gebruik van die middele van klassiek-romantiese tonale harmonie, is hy gekenmerk deur 'n paar kenmerkende kenmerke waardeur dit nie moeilik is om die outeurskap van een of ander komposisie vas te stel nie. Onder sulke spesiale individuele kenmerke van Rachmaninov se harmoniese taal is byvoorbeeld die bekende traagheid van funksionele beweging, die neiging om vir 'n lang tyd in een toonsoort te bly, en soms die verswakking van swaartekrag. Die aandag word gevestig op die oorvloed van komplekse multi-tert formasies, rye nie- en undesimale akkoorde, wat dikwels meer kleurvolle, klanke as funksionele betekenis het. Die verbinding van hierdie soort komplekse harmonieë word meestal met behulp van melodiese verbinding uitgevoer. Die oorheersing van die melodiese-liedelement in Rachmaninov se musiek bepaal die hoë graad van polifoniese versadiging van sy klankstof: individuele harmoniese komplekse ontstaan ​​voortdurend as gevolg van die vrye beweging van min of meer onafhanklike "singende" stemme.

Daar is een gunsteling harmoniese wending deur Rachmaninoff, wat hy so dikwels gebruik het, veral in die komposisies van die vroeë tydperk, dat hy selfs die naam “Rachmaninov se harmonie” gekry het. Hierdie omset is gebaseer op 'n gereduseerde inleidende septiemakkoord van 'n harmoniese mineur, gewoonlik gebruik in die vorm van 'n terzkvartakkord met die vervanging van II graad III en resolusie in 'n toniese drieklank in die melodiese derde posisie.

Die skuif na 'n verminderde kwart wat in hierdie geval in die melodiese stem ontstaan, wek 'n aangrypende treurige gevoel.

As een van die merkwaardige kenmerke van Rachmaninov se musiek, het 'n aantal navorsers en waarnemers die oorheersende geringe kleur daarvan opgemerk. Al vier sy klavierkonserte, drie simfonieë, beide klaviersonates, meeste van die etudes-prente en baie ander komposisies is in mineur geskryf. Selfs majeur kry dikwels 'n geringe kleur as gevolg van afnemende veranderings, toonafwykings en die wydverspreide gebruik van geringe systappies. Maar min komponiste het so 'n verskeidenheid nuanses en grade van ekspressiewe konsentrasie bereik in die gebruik van die mineur toonsoort. LE Gakkel se opmerking dat in die etudes-skilderye op. 39 “gegewe die wydste verskeidenheid van geringe kleure van syn, minor skakerings van lewensgevoel” kan uitgebrei word na 'n beduidende deel van al Rachmaninoff se werk. Kritici soos Sabaneev, wat 'n bevooroordeelde vyandigheid jeens Rachmaninov gekoester het, het hom "'n intelligente kermmaker" genoem, wie se musiek "die tragiese hulpeloosheid van 'n man sonder wilskrag" weerspieël. Intussen klink Rachmaninov se digte “donker” mineur dikwels moedig, protesterend en vol geweldige wilsspanning. En as treurnote deur die oor gevang word, dan is dit die "edele hartseer" van die patriotkunstenaar, daardie "gedempte kreun oor die geboorteland", wat deur M. Gorky in sommige van Bunin se werke gehoor is. Soos hierdie skrywer na aan hom in gees, het Rachmaninov, in die woorde van Gorki, "aan Rusland as 'n geheel gedink", berou oor haar verliese en angs oor die lot van die toekoms ervaar.

Die kreatiewe beeld van Rachmaninov in sy hoofkenmerke het integraal en stabiel gebly dwarsdeur die komponis se halfeeureis, sonder om skerp breuke en veranderinge te ervaar. Estetiese en stilistiese beginsels, geleer in sy jeug, was hy getrou tot die laaste jare van sy lewe. Nietemin kan ons 'n sekere evolusie in sy werk waarneem, wat nie net manifesteer in die groei van vaardigheid, verryking van die klankpalet nie, maar ook gedeeltelik die figuurlike en ekspressiewe struktuur van musiek beïnvloed. Op hierdie pad word drie groot, hoewel ongelyk beide in duur en in terme van hul graad van produktiwiteit, tydperke duidelik uiteengesit. Hulle word van mekaar afgebaken deur min of meer langdurige tydelike caesuras, bande van twyfel, nadenke en huiwering, wanneer daar nie 'n enkele voltooide werk uit die komponis se pen gekom het nie. Die eerste tydperk, wat op die 90's van die XNUMXste eeu val, kan 'n tyd van kreatiewe ontwikkeling en veroudering van talent genoem word, wat sy pad op 'n vroeë ouderdom gaan bevestig het deur natuurlike invloede te oorkom. Die werke van hierdie tydperk is dikwels nog nie onafhanklik genoeg nie, onvolmaak in vorm en tekstuur. (Sommige van hulle (Eerste Klavierkonsert, Elegiese Trio, klavierstukke: Melodie, Serenade, Humoreske) is later deur die komponis hersien en hul tekstuur is verryk en ontwikkel.), alhoewel in 'n aantal van hul bladsye (die beste oomblikke van die jeugdige opera "Aleko", die Elegiese Trio ter nagedagtenis aan PI Tsjaikofski, die beroemde prelude in cis-mineur, sommige van die musikale oomblikke en romanse), die komponis se individualiteit is reeds met voldoende sekerheid geopenbaar.

'n Onverwagte pouse kom in 1897, na die onsuksesvolle uitvoering van Rachmaninov se Eerste Simfonie, 'n werk waarin die komponis baie werk en geestelike energie belê het, wat deur die meeste musikante verkeerd verstaan ​​is en byna eenparig op die bladsye van die pers veroordeel is, selfs bespot is. deur sommige van die kritici. Die mislukking van die simfonie het 'n diep geestelike trauma in Rachmaninoff veroorsaak; volgens sy eie, latere bekentenis, was hy “soos ’n man wat ’n beroerte gehad het en wat vir ’n lang tyd sy kop en hande verloor het”. Die volgende drie jaar was jare van byna volkome kreatiewe stilte, maar terselfdertyd gekonsentreerde refleksies, ’n kritiese herbeoordeling van alles wat voorheen gedoen is. Die resultaat van hierdie intense interne werk van die komponis op homself was 'n buitengewoon intense en helder kreatiewe oplewing aan die begin van die nuwe eeu.

Gedurende die eerste drie of vier jaar van die 23ste eeu het Rakhmaninov 'n aantal werke van verskillende genres geskep, merkwaardig vir hul diep poësie, varsheid en onmiddellikheid van inspirasie, waarin die rykdom van kreatiewe verbeelding en die oorspronklikheid van die skrywer se "handskrif" word gekombineer met hoë afgewerkte vakmanskap. Onder hulle is die Tweede Klavierkonsert, die Tweede Suite vir twee klaviere, die sonate vir tjello en klavier, die kantate “Lente”, Tien Preludes op. XNUMX, die opera "Francesca da Rimini", van die beste voorbeelde van Rachmaninov se vokale lirieke ("Lilac", "Uittreksel uit A. Musset"), Hierdie reeks werke het Rachmaninoff se posisie as een van die grootste en interessantste Russiese komponiste gevestig van ons tyd, wat hom 'n wye erkenning besorg het in die kringe van die artistieke intelligentsia en onder die massas luisteraars.

’n Relatief kort tydperk van 1901 tot 1917 was die mees vrugbare in sy werk: oor hierdie dekade en ’n half is die meeste van die volwasse, onafhanklike styl van Rachmaninov se werke geskryf, wat ’n integrale deel van die nasionale musiekklassieke geword het. Byna elke jaar het nuwe opusse gebring, waarvan die voorkoms 'n noemenswaardige gebeurtenis in die musieklewe geword het. Met die onophoudelike kreatiewe aktiwiteit van Rachmaninoff het sy werk in hierdie tydperk nie onveranderd gebly nie: met die draai van die eerste twee dekades is simptome van 'n brouverskuiwing daarin merkbaar. Sonder om sy algemene “generiese” eienskappe te verloor, word dit ernstiger in toon, ontstellende buie versterk, terwyl die direkte uitstorting van liriese gevoel blykbaar verlangsaam, ligte deursigtige kleure verskyn minder dikwels op die komponis se klankpalet, die algehele kleur van die musiek verdonker en verdik. Hierdie veranderinge is merkbaar in die tweede reeks klavierpreludes, op. 32, twee siklusse van etudes-skilderye, en veral sulke monumentale groot komposisies soos "The Bells" en "All-Night Vigil", wat diep, fundamentele vrae oor die menslike bestaan ​​en die lewensdoel van 'n persoon stel.

Die evolusie wat Rachmaninov ervaar het, het nie die aandag van sy tydgenote ontgaan nie. Een van die kritici het oor The Bells geskryf: “Dit lyk asof Rakhmaninov begin soek het na nuwe buie, 'n nuwe manier om sy gedagtes uit te druk … Jy voel hier die hergebore nuwe styl van Rachmaninov, wat niks in gemeen het met die styl van Tsjaikofski nie. ”

Na 1917 begin 'n nuwe onderbreking in die werk van Rachmaninov, hierdie keer baie langer as die vorige. Eers na 'n hele dekade het die komponis teruggekeer na die komponering van musiek, nadat hy drie Russiese volksliedjies vir koor en orkes verwerk het en die Vierde Klavierkonsert voltooi het, wat op die vooraand van die Eerste Wêreldoorlog begin is. Gedurende die 30's het hy (behalwe vir 'n paar konserttranskripsies vir klavier) slegs vier geskryf, maar betekenisvol in terme van die idee van groot werke.

* * *

In 'n omgewing van komplekse, dikwels teenstrydige soektogte, 'n skerp, intense stryd van rigtings, 'n afbreek van die gewone vorme van artistieke bewussyn wat die ontwikkeling van musiekkuns in die eerste helfte van die XNUMXste eeu gekenmerk het, het Rachmaninoff getrou gebly aan die groot klassieke tradisies van Russiese musiek van Glinka tot Borodin, Moessorgski, Tsjaikofski, Rimski-Korsakov en hul naaste, direkte studente en volgelinge van Taneyev, Glazunov. Maar hy het homself nie beperk tot die rol van die voog van hierdie tradisies nie, maar het hulle aktief, kreatief waargeneem, hul lewende, onuitputlike krag, die vermoë tot verdere ontwikkeling en verryking bevestig. 'n Sensitiewe, beïnvloedbare kunstenaar, Rachmaninov, het, ondanks sy nakoming van die voorskrifte van die klassieke, nie doof gebly vir die oproepe van moderniteit nie. In sy houding teenoor die nuwe stilistiese neigings van die XNUMXste eeu was daar nie net 'n oomblik van konfrontasie nie, maar ook van 'n sekere interaksie.

Oor 'n tydperk van 'n halwe eeu het Rachmaninov se werk 'n beduidende evolusie ondergaan, en die werke van nie net die 1930's nie, maar ook die 1910's verskil aansienlik beide in hul figuurlike struktuur en in taal, maniere van musikale uitdrukking van die vroeë, nog nie heeltemal onafhanklike opusse van die einde van die vorige. eeue. In sommige van hulle kom die komponis in aanraking met impressionisme, simboliek, neoklassisisme, hoewel hy op 'n baie eienaardige manier die elemente van hierdie tendense individueel waarneem. Met al die veranderinge en wendings, het Rachmaninov se kreatiewe beeld intern baie integraal gebly, met behoud van daardie basiese, bepalende kenmerke wat sy musiek sy gewildheid aan die wydste verskeidenheid luisteraars te danke het: passievol, boeiende liriek, waarheid en opregtheid van uitdrukking, poëtiese visie van die wêreld .

Yu. Komaan

Rachmaninoff dirigent

Rachmaninov het in die geskiedenis opgeteken nie net as 'n komponis en pianis nie, maar ook as 'n uitstaande dirigent van ons tyd, hoewel hierdie kant van sy aktiwiteit nie so lank en intens was nie.

Rachmaninov het sy debuut as dirigent in die herfs van 1897 by die Mamontov Private Opera in Moskou gemaak. Voor dit hoef hy nie 'n orkes te lei en dirigering te studeer nie, maar die briljante talent van die musikant het Rachmaninoff vinnig gehelp om die geheime van bemeestering te leer. Dit is genoeg om te onthou dat hy skaars daarin geslaag het om die eerste repetisie te voltooi: hy het nie geweet dat die sangers die inleidings hoef aan te dui nie; en 'n paar dae later het Rachmaninov reeds sy werk perfek gedoen en Saint-Saens se opera Simson and Delilah gedirigeer.

"Die jaar van my verblyf by die Mamontov-opera was vir my van groot belang," het hy geskryf. “Daar het ek ’n opregte dirigenttegniek aangeleer, wat my later geweldig gedien het.” Gedurende die seisoen van werk as die tweede dirigent van die teater het Rachmaninov vyf-en-twintig opvoerings van nege operas gedirigeer: "Samson and Delilah", "Meermin", "Carmen", "Orpheus" deur Gluck, "Rogneda" deur Serov, " Mignon” deur Tom, “Askold's Grave”, “The Enemy strength”, “Mei nag”. Die pers het dadelik kennis geneem van die helderheid van sy dirigent se styl, natuurlikheid, gebrek aan postuur, 'n yster gevoel vir ritme wat aan die kunstenaars oorgedra word, delikate smaak en 'n wonderlike gevoel vir orkeskleure. Met die verkryging van ervaring het hierdie kenmerke van Rachmaninoff as musikant hulself ten volle begin manifesteer, aangevul deur selfvertroue en gesag in die werk met soliste, koor en orkes.

In die volgende paar jaar het Rachmaninoff, besig met komposisie en pianistiese aktiwiteit, slegs af en toe gedirigeer. Die bloeitydperk van sy dirigeertalent val op die tydperk 1904-1915. Vir twee seisoene werk hy by die Bolsjoi-teater, waar sy vertolking van Russiese operas besondere sukses geniet. Historiese gebeure in die lewe van die teater word deur kritici genoem die herdenkingsopvoering van Ivan Susanin, wat hy gedirigeer het ter ere van die eeufees van die geboorte van Glinka, en Tchaikovsky's Week, waartydens Rachmaninov The Queen of Spades, Eugene Onegin, Oprichnik gedirigeer het. en ballette.

Later het Rachmaninov die opvoering van The Queen of Spades in St. resensente was dit eens dat dit hy was wat die eerste was om die hele tragiese betekenis van die opera te begryp en aan die gehoor oor te dra. Onder Rachmaninov se kreatiewe suksesse by die Bolsjoi-teater is ook sy produksie van Rimsky-Korsakov se Pan Voevoda en sy eie operas The Miserly Knight en Francesca da Rimini.

Op die simfonieverhoog het Rachmaninov van die heel eerste konserte af bewys dat hy 'n volledige meester van groot skaal is. Die bynaam "briljant" het beslis gepaardgegaan met resensies van sy optredes as dirigent. Dikwels het Rachmaninoff by die dirigent se stalletjie verskyn in konserte van die Moskouse Filharmoniese Vereniging, sowel as met die Siloti- en Koussevitzky-orkeste. In 1907-1913 het hy baie in die buiteland gedirigeer – in die stede van Frankryk, Holland, VSA, Engeland, Duitsland.

Rachmaninov se repertorium as dirigent was in daardie jare buitengewoon veelsydig. Hy kon deurdring tot die mees uiteenlopende styl en karakter van die werk. Natuurlik was Russiese musiek die naaste aan hom. Hy het op die verhoog Borodin se Bogatyr-simfonie laat herleef, wat teen daardie tyd amper vergete was, het bygedra tot die gewildheid van Lyadov se miniatuur, wat hy met besonderse briljantheid uitgevoer het. Sy vertolking van Tsjaikofski se musiek (veral die 4de en 5de simfonieë) is gekenmerk deur buitengewone betekenis en diepte; in die werke van Rimsky-Korsakov kon hy die helderste kleurspektrum vir die gehoor ontvou, en in die simfonieë van Borodin en Glazunov het hy die gehoor bekoor met epiese breedte en dramatiese integriteit van interpretasie.

Een van die toppunte van Rachmaninov se dirigeerkuns was die vertolking van Mozart se G-mineur-simfonie. Die kritikus Wolfing het geskryf: “Wat beteken baie geskrewe en gedrukte simfonieë voor Rachmaninov se uitvoering van Mozart se g-mol-simfonie! … Die Russiese artistieke genie het vir die tweede keer die artistieke aard van die skrywer van hierdie simfonie getransformeer en vertoon. Ons kan nie net oor Pushkin se Mozart praat nie, maar ook oor Rachmaninov se Mozart...”

Daarmee saam vind ons baie romantiese musiek in Rachmaninov se programme – byvoorbeeld Berlioz se Fantastiese simfonie, die simfonieë van Mendelssohn en Franck, Weber se Oberon-ouverture en fragmente uit Wagner se operas, Liszt se gedig en Grieg se lirieke suite... En daarnaas – 'n manjifieke uitvoering moderne skrywers – simfoniese gedigte deur R. Strauss, werke van die Impressioniste: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … En natuurlik was Rachmaninov 'n onoortreflike vertolker van sy eie simfoniese komposisies. Die bekende Sowjet-musikoloog V. Yakovlev, wat Rachmaninov meer as een keer gehoor het, onthou: “Nie net die publiek en kritici, ervare orkeslede, professore, kunstenaars het sy leierskap as die hoogste punt in hierdie kuns erken … Sy werksmetodes was gereduseer nie soseer tot 'n vertoning nie, maar tot aparte opmerkings, gemene verduidelikings, dikwels het hy gesing of in een of ander vorm verduidelik wat hy voorheen oorweeg het. Almal wat by sy konserte teenwoordig was, onthou daardie breë, kenmerkende gebare van die hele hand, nie net van die kwas af nie; soms is hierdie gebare van hom deur die orkeslede as buitensporig beskou, maar dit was aan hom bekend en deur hulle verstaan. Daar was geen kunsmatigheid in bewegings, houdings, geen effek, geen handtekening nie. Daar was grenslose passie, voorafgegaan deur denke, ontleding, begrip en insig in die styl van die kunstenaar.

Kom ons voeg by dat Rachmaninoff die dirigent ook 'n onoortreflike ensemblespeler was; soliste in sy konserte was kunstenaars soos Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, en in opera-uitvoerings Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov ...

Ná 1913 het Rachmaninoff geweier om werke van ander skrywers op te voer en het slegs sy eie komposisies gedirigeer. Eers in 1915 het hy van hierdie reël afgewyk deur 'n konsert ter nagedagtenis aan Skrjabin te hou. Maar selfs later was sy reputasie as dirigent oor die hele wêreld buitengewoon hoog. Dit is genoeg om te sê dat hy onmiddellik nadat hy in 1918 in die Verenigde State aangekom het, die leierskap van die grootste orkeste in die land aangebied is – in Boston en Cincinnati. Maar in daardie tyd kon hy nie meer tyd aan dirigeerwerk bestee nie, gedwing om intense konsertaktiwiteit as pianis te dirigeer.

Eers in die herfs van 1939, toe 'n siklus van konserte uit Rachmaninov se werke in New York gereël is, het die komponis ingestem om een ​​daarvan te dirigeer. Die Philadelphia-orkes het toe die Derde Simfonie en die Bells uitgevoer. Hy het dieselfde program in 1941 in Chicago herhaal, en 'n jaar later het hy die uitvoering van "Isle of the Dead" en "Symphonic Dances" in Egan Arbor gedirigeer. Kritikus O. Daune het geskryf: “Rakhmaninov het bewys dat hy dieselfde vaardigheid en beheer het oor uitvoering, musikaliteit en kreatiewe krag, wat die orkes lei, wat hy toon wanneer hy klavier speel. Die karakter en styl van sy spel, asook sy dirigering, slaan met kalmte en selfvertroue aan. Dit is dieselfde algehele afwesigheid van pronk, dieselfde gevoel van waardigheid en ooglopende selfbeheersing, dieselfde bewonderenswaardige heersende mag. Die opnames van The Island of the Dead, Vocalise en die Derde Simfonie wat destyds gemaak is, het vir ons bewyse bewaar van die dirigeerkuns van die briljante Russiese musikant.

L. Grigoriev, J. Platek